PSY・S

好きなアルバムを自分勝手にダラダラ語る、そういったゆるいコンセプトのブログです。

音楽の女神は誰にでも見えるものではない。 - PSY・S 『Two Spirits』

folder で、前回の続き。ほんとはこっちが本題だったんだけど、思いのほか前置きが長くなっちゃったので、2つに分けちゃった。

 2枚目の『Pic-Nic』までは、フェアライト・マスター松浦によるジャストなリズムと、ピーク・クライマックスの薄いサウンド、そこにナチュラル・コンプの声質を持つチャカが、童謡歌手のようなフラットなヴォーカルを乗せるという、-何かこうして書いてると、味も素っ気もない、コンセプチュアルなサウンドを展開していたのだった。
 そのくせ、楽理とテクノロジーで理論武装した頭でっかちと思いきや、松浦の手から編み出されるシンプルで口ずさみやすいメロディは、当初からごく一部のポップ・マニアの注目を集めていた。過剰にマシンスペックにこだわった「キーボード・マガジン」読者より、サブカル寄りな「テッチー」読者に人気があったのは、そんな理由が大きい。

 典型的な理系脳の松浦と、アクティブなバンドマン系列のチャカとのチグハグなコンビネーションのズレは、単発的に見れば面白いものだけど、継続して活動するユニットとなると、普通はあっという間にネタ切れになる。当時はシンセ周りの技術革新が、ハイパーインフレ状態だったおかげもあって、当初のウリだったフェアライトも物珍しさが薄れつつあった。
 ここで松浦が、当初のコンセプトを頑固に貫いて、マシンのアップデートを主軸としたサウンドを続けたとしても、新型マシンの品評会になるだけだし、それだってキリがない。CDとして発表すると同時に新たなアップデートが告知され、途端に過去の遺物となる繰り返しだ。
 もう5年くらい遅くデビューしていたら、テクノポップの「ポップ」を取って、テクノ〜ニュージャック・スウィング~ハウス方面へ向かっていたのかもしれないけど、まぁ踊れない松浦なら無理か。「レーベル・カラーと合わない」とか言って、ソニーも止めてただろうし。

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 そんなディープな方向へ向かわなかったのは、デビュー時同様、これまたラジオの企画、当時松浦がDJを務めていたNHK –FM「サウンド・ストリート」内の企画がきっかけだった。既発表曲のリアレンジや、ソニー系アーティストを中心としたコラボから交流が生まれ、以前レビューしたコンピレーション・アルバム『Collection』として結実することになる。そんな共同作業を介してから、松浦の音楽制作への姿勢が微妙に変化してゆく。
 長時間スタジオに篭り、すべてのベーシック・トラックをほぼ独りで作るというのは、想像以上に孤独な作業である。ほんの少しのドラム・リヴァーブの長短や、ストリングスのピッチ調整など、こだわればキリがない。
 頭の中で鳴っている音が確実なわけではない。あぁだこうだとCRT画面とにらめっこしながら延々、「これかな?」という音を探すのだ。ただ、そこまでこだわり抜いた音だって、完成テイクというわけではない。時間に追われ締め切りに追われ、「まぁこれなら大体満足できるかな」程度のレベルであって、ほんとなら、時間さえ許せば永遠に終わることはない。しかも、それらの細部へのこだわりとは、多くのリスナーに理解できるものではなく、報われることはほんのわずかなのだ。
 バービーいまみちやゼルダらとスタジオを共にすることによって、何もかもフェアライトでまかなってしまっていた従来のサウンドは、『Collection』を境に大きく変化する。基本のシンセ・サウンドは変わらないけど、バンド演奏によるアンサンブル・マジックを目の当たりにしたことによって、少しずつそのエッセンスを導入するようになる。
 もちろん、そこは理系脳の松浦であるからして、レコーディングの段階でいろいろ加工はしているけど。

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 その後のPSY・Sは、本来のレコーディング・ユニットとは別に、ライブ演奏用に結成された流動的ユニット「Live PSY・S」を始動、それぞれ独自の進化を遂げてゆくことになる。
 テクノポップのライブといえば、YMOを端とするシンセ機材の山積み、メーカー協賛による品評会的な物々しさを想像しがちだけど、Live PSY・Sはそのセオリーから大きく外れている。もともと本格的なライブ活動を開始したのが、オーソドックスなバンド・アンサンブルを前面に出した3枚目『Mint-Electric』リリース後からだったこともあって、アルバム音源をベースとしたバンド・サウンドを、可能な限り忠実に再現することに力を注いでいた。
 共同作業によるスタジオ・マジックには、ある程度の理解は示したけど、だからといって、冗長なアドリブやインプロビゼーション、それにまつわるバンド・マジックを盲信する松浦ではない。隅々までシミュレートし、破綻のないアンサンブルをかっちり作り込んだ。そして、チャカには敢えて縛りを課さず、ステージ上では自由奔放に歌わせた。
 ただこれも計算のうち、もともと松浦が書く楽曲は、突発的な転調や不協和音を使わず、案外オーソドックスなコード進行で構成されており、譜割りを崩したりフェイクを入れたりの小技が使いづらいのだ。カラオケで歌ってみればわかるよ、譜面通りに歌うだけで精いっぱいだから。

 そんな理路整然さを推し進め過ぎることが、逆にライブ感を損なってしまうことを危惧したのか、ステージ演出はやたらエンタメ性が爆発している。80年代特有のサブカル系が調子に乗った、やたらデコボコ立体的な機能性無視のコスチュームに身をまとうチャカを中心に、ポップ系アーティストのステージ・パフォーマンスの走りとなった、南流石による振り付けは、当時のソニー系アーティストでも目立って注目を引くものだった。バンマスである松浦は、一歩引いて機材の山に埋もれるのが定位置だったけど、時々ハンディ・キーボードやギターを抱えて前に出たりして、裏方に徹するストレスをほんの少し解消したりしていた。
 次第にシーケンスの割合が少なくなって、キーボードのベンダーを小刻みに動かしたり手弾きが多くなったり、次第に普通のバンド化してゆくことになるLive PSY・S=松浦だったけど、果たしてそれは進化だったのか、はたまた試行錯誤だったのか。

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 で、『Two Spirits』。
 ライブ・アルバムという体裁でリリースされている。いるのだけれど、正直、臨場感はかなり薄い。普通は収録されているMCや歓声がばっさりカットされているため、「ちょっとエコーが多めの演奏かな?」と意識してからやっと、「そういえばライブだったんだ」と気づくくらいである。
 ライブ録音したテープ音源を加工・手直しするという発想は、何もPSY・Sが始めてではない。ライブ時の偶発的なインプロビゼーションを素材として、Frank Zappa やKing Crimsonは、数々のアルバムを量産した。レコーディングしていない新曲を試したり、また既発表曲でも、その日によって全然違うアドリブやオブリガードが繰り出されたりなど、演奏のたび違うテイクがボコボコ生み出された70年代。そりゃ未だにブートやアーカイブも売れ続けるわけだよな。
 ただ松浦の場合だと、ちょっと事情が違ってくる。彼の中で、ライブ録音されたテープ素材とスタジオ・テイクとは、同列のものである。ちょっとしたタッチ・ミスやピッチのズレは、ライブならではの醍醐味ではない。それらはファンが聴きやすい商品として、また、自身の納得ゆく形に整えられなければならないのだ。

 アンサンブルを整えるためにテイクの差し替えを行ない、歓声やMCをノイズと捉え、ばっさりカットしてしまう。複数のライブ音源をひとつにまとめるため、ピークレベルは均等にそろえる。
 大幅に編集されたトラックは、精密部品のごとくきれいに研磨され、スタジオ・テイクと遜色ないオーディオ・クオリティとなった。
 -え?CDと変わんないの?
 理系脳ゆえの細部へのこだわりと潔癖さが過剰にフル回転したあげく、トータリティは増して、収録時期の違いは目立たなくなった。多分最初こそ、先にリリースされたベスト・アルバム『Two Hearts』から漏れた人気曲の補完として、スタジオ・テイクとは別の側面を見せる思惑だったのだろう。ただ松浦のアーティスティックな暴走によって、次第にコンセプトが変容してゆくのを、ソニー側は誰も止めようとしなかったのか。
 サウンド的にも円熟期に入り、セールスもそこそこのポジションで落ち着いてしまったし、今のところ新局面も見当たらないしで、ちょっとした閉塞感を見せつつあったのが、この時期にあたる。もともとシンセを中心としたサウンド作りゆえ、長期的活動のビジョンが見えづらい形態なのだ。なので、10年も続いただけで、それはもう奇跡と言ってもよい。

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 かつてJoe Jackson は、全曲書き下ろしの新曲で構成したライブ・アルバム『Big World』をリリースした。開演前/公開レコーディング前の注意として、「観客は一切の物音や歓声を上げてはならない」。「これはレコーディングを優先したものであり、いわば観客であるあなたもレコーディング・メンバーの一員なのだ」と。
 やたら上から目線で常識破りな指示だったけど、ほとんどの観客はみな固唾を飲んでステージを見守った。参加ミュージシャンらも、通常のライブとは違う緊張感の中、ひたすら演奏に集中した。異様なテンションによる相乗効果は、尋常じゃないクオリティの完成品として昇華した。
 『Big World』も『Two Spirits』同様、余計な音は刻まれていない。ただ明らかに違うのは、『Two Spirits』の曲間が無音であるのに対し、『Big World』の曲間、音と音の隙間に込められているのは、ミュージシャンらの高潔なプライドと、信頼関係で結ばれた観客、それらがステージ上で一体となった連帯感である。そして、そんな空気感を余すところなく記録しようと奮闘するエンジニアらの献身ぶりである。
 すべては音楽のミューズのもと、単純に良い音楽を作るためのプロセスなのだ。

 イコライジング前のライブ音源を聴きまくった松浦は、編集作業時、何を思ったのか。
 ミューズの囁きを耳にした上で、ライブ感をフォーマットしたのか、それともミューズの存在に気づけなかったのか。
 それは松浦自身にしかわからないことだ。


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1. Parachute Limit
 5枚目のアルバム『Non-Fiction』収録、こちらでもオープニング・ナンバー。スタジオ・ヴァージョンはリズム・セクションが強く、バンド・サウンド的なミックスでチャカの存在感もちょっと薄めだけど、ここではヴォーカルが大きくミックスされ、女性コーラスもフィーチャーされて臨場感がある。

2. Teenage
 デビュー・アルバム『Different View』のオープングを飾った曲。ほぼフェアライト一台で作られたオリジナルより、当然サウンドの厚みは段違い。頭でっかちなテクノポップが、ステージではドライブ感あふれるハイパー・ポップに生まれ変わっている。しかしチャカ、ライブでも安定した歌唱力をキープしているのはさすが。

3. Kisses
 6枚目『Signal』収録、またまたオープニング・ナンバーの3連発。なんかこだわりでもあるのかそれとも偶然か。Supremesを思わせるモータウン・ビートを持ってくるとは裏をかかれたな、と感心した思い出がある俺。だって、松浦にそんな素養があるとは思わなかったんだもの。アルバム自体がLive PSY・Sによって制作されているので、スタジオ・ライブともあまり違和感が少ないのが、この時期の曲。

 女のコ あれもしたいし これもしたいの
 キス したい スキよ
 男のコ 迷わないでね 遊ばないでよ
 キス してね

 単純だけどきちんと練られたポップな歌詞、それに一体感のあるサウンド。この辺がユニットとしてのピークだったんだろうな。



4. Christmas in the air
 オリジナルは1986年リリース、杉真理主導でソニー系アーティスト中心に企画されたクリスマス・アルバム『Winter Lounge』に収録。当然、入手困難な時期が長かったため、この時点ではいわゆる「幻の曲」扱い、ここでのライブ・ヴァージョンでしか聴く機会がなかった。なので、こっちがオリジナル的な感覚を持つファンも多い。
 時期的に2枚目『Pic-Nic』のアウトテイクと思われ、ガジェット的な使い方のギターやベースがテクノポップさを演出していたのだけど、ここではアコギもナチュラルな響きで、むしろオーガニックな味わい。でもクリスマスのワクワク感はちょっと足りないかな。

5. Paper Love (English Version)
 『Different View』収録、なんとここではスローなレゲエ、これはこれでまたクール。オリジナルは日本語だったけど、ここでは全編英語で通しており、前身プレイテックス時代の痕跡を見ることができる。

6. 青空は天気雨
 3枚目『Mint-Electric』収録、ここではベースのボトムが効いたクール・ファンクなテイスト。ファンの間でもオリジナル以上に人気が高く、またよほどアレンジが気に入ったのか、ライブ・アルバムとしては珍しくシングル・カットもされている。



7. TOYHOLIC
 続いて『Mint-Electric』収録曲。タイトルからわかるように、当時、絶大な人気を誇ったロックバンド漫画『TO-Y』のオリジナル・ビデオ・アニメの主要テーマとなったナンバー。印象的なコマの空白と細い線描のイメージに合致した、浮遊感のあるサウンドは、映像にマッチしていた。その世界観は変わらない。

8. Everyday
 『Pic-Nic』収録。ギターのフレーズが結構ファンクしているのだけど、奥に引っ込んだ配列となっているので、アンサンブルを損なわず切れ味の鋭いポップ・チューンに生まれ変わっている。オリジナルは、ベースがやたらブーストされたテクノポップといった味わいだけど、俺的にはライブ・ヴァージョンの方が好みかな。

9. Friends or Lovers
 そういえばそうか、これってアルバム未収録曲だったんだ、たった今気がついた。PSY・Sの中では最も高いセールスを記録した、人気としてもクオリティとしても、文句なしの代表曲なのに、そうか入ってなかったんだ。ドラマの主題歌にもなったしPVもよく深夜テレビで流れてたしで、よく聴いたよな。
 
 友達と 恋人と
 決めるから こじれるのかな
 クラッシュしてる みんな
 宝石も 香水も
 好きだけど 満たされないね
 (ねぇもっと) リラックスして

 この時代になると主に松尾由紀夫が作詞を手掛けており、コンセプトにもブレがないため、普通にオリコン・シングルとも渡り合えるクオリティになっている。やっぱりあれだな、抽象的な歌詞もある程度、ターゲットやテーマを絞り込まないと散漫なだけなんだな。

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10. 冬の街は
 今となってはPSY・Sにとっても、そしてシオンにとっても代表曲のひとつになっている、これまたアルバム未収録曲。この曲が生まれる発端となった『Collection』がソニー系アーティストで固められていたため、他のレコード会社所属だったシオンのこの曲は、リリースが見送られてしまった、という大人の事情が絡んでいる。
 ただ楽曲の力はあまりに強い。PSY・S、シオンとしてだけでなく、80年代を代表する裏名曲としての座をずっと保持し、ここに収録となった。
 暗喩の多い抽象的な歌詞は、Led Zeppelin 「Stairway to Heaven」からインスパイアされてると思うのだけど、それって俺だけかな。



11. EARTH~木の上の方舟~
 『Non-Fiction』収録、大味なアメリカン・ロックをベースに、MIDI混入率を多めにしてみました的な仕上がり。前の曲と比べるとちょっと地味かな。ここでひと休みといった印象。

12. Silent Song
 『Collection』収録、当時から人気の高かったパワー・ポップ。バービーいまみち参加によって楽曲の完成度は約束されたようなもので、時代を思い起こさせるギターのディレイもリフも、適度にからむ松浦のソロも、何もかも完璧。でもね、いまみちの音はもうちょっと大きめにしても良かったんじゃないかと思う。

13. 私は流行、あなたは世間
 ラストを飾るにふさわしい、PSY・Sの出発点。シンセドラムの音やリズムは時代によって微妙に変化していくけど、チャカの声は不変だ。特にこの曲ではビブラートもコブシもシャウトも何もない、小手先の技を使わずストレートな、正弦波ヴォイスで朗々と言葉を紡ぐ。松浦が奏でるサウンドも、敢えて最先端ではなく、原初のテクノ的メソッドの音をあえて探して使っている。

 しっかし、名曲ばっかりだな、こうやって聴き通すと。




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私は流行、あなたは世間 - PSY・S 『Different View』

folder 3年ほど前、松浦雅也のサウンドクラウドにて、PSY・Sの前身ユニット「プレイテックス」のデモ音源が公開され、往年のファンの間ではちょっと話題になった。今はもう公開終了してしまったけど、YouTube で検索すれば、一部はまだ聴くことができる。
 それまでヴォーカルの入った音楽をほとんど手がけていなかった松浦が、何やかやの成り行きでチャカと出会ってユニット結成、当然、発売を前提とした音源ではないので、音質的にはブート並み、決して聴きやすいレベルではないのだけど、容易に手を抜けない松浦の気質が昔からだったことは窺い知れる。

 FM大阪の番組企画をきっかけとして、即席ユニット「プレイテックス」は結成された。いわゆる企画モノである。当時、チャカはジャズ・ファンク・バンド「アフリカ」のヴォーカルとして、松浦もソロで各方面に渡るスタジオワークを請け負っていた頃であり、いわば余技で始めたものである。お互い、付き合いやらしがらみやらで、断りづらかったんだろうな。
 主にライブシーンを主体に活動していたチャカと、理系シンセおたくの松浦では、接点より相違点の方が多そうで、よくこんなコラボ思いついたよな、と当時の担当ディレクターの慧眼ぶりを讃えてしまいそうだけど、いや違うよな、たまたま思いついてくっつけただけだろうな、きっと。
 まぁ男女関係の秘訣として、「好きなモノより、嫌いなモノの共通項が多い方が長く続く」っていうものだし、案外相性は良かったのかもしれない。ユニット結成から解消に至るまで、プライベートでの接点はほとんどなかった2人だったけど、スタジオの中では「これはイヤ」「あれはダサい」という点で一致することが多かったのだろう。

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 整然としたシーケンスとエフェクトをベースに、ピークレベルぎりぎりまでボリュームを上げたドラムは、クレバーなリズムを刻む。坂本龍一「サウンド・ストリート」のデモテープ特集の応募作品的なサウンドと言えば通じるだろうか。わかんねぇか。
 チャカのヴォーカルはあまり変化はないけれど、それでもアップテンポのナンバーではライブ仕様のファンクネスが顔を出し、サウンドとの解離が時に見られる。それを抑制しようと極端に無表情な声色になったり。
 どちらも相手に合わせようとして、それでいながらミュージシャン・エゴの痕跡は残そうとしている。要するにビシッと噛み合うことが少ないのだ。
 発表から30年以上経ってから聴いてみると、これはこれで悪くない。Soul II Soulのグラウンド・ビート的な楽曲もあるし、ドラムサウンドさえアップデートすれば今でもチープ・テクノとして通用しそうだけど、早すぎたサウンド・コンセプトである。あの時代のミュージック・シーン、80年代ソニーのラインナップからすれば、この音はかなり浮いている。CBSじゃ受け入れてくれないよな。
 もしかして、エピックなら受け入れてくれたかもしれないけど。

 ライブの現場で鍛えられたチャカのアクティヴなヴォーカライズと、バックトラックの大半をシンセで賄うメソッドというのは、何も松浦が発明したわけではなく、YazooやEurythmicsなど、UKポップデュオでは広く用いられた方法論である。ほぼシンセ1台あればサウンド的に成立してしまうので、小回りが利く最小限のユニットとして、作業効率も良ければコスパも良い。バンド的なカタルシスさえ求めなければ、良いことづくめではある。
 ただ、ダンサブルな要素を後退させたヘッド・ミュージック的なテクノポップは、ダンスフロアとの親和性も薄ければ、当時の日本において最もポピュラーだった歌謡曲~ニューミュージックともリンクしづらい。あまりにドライでシステマティックなプレイテックスのコンセプトは、日本では馴染みにくいものだった。

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 90年代に入ってからのFavorites BlueやJungle Smileに見受けられるように、日本における男女2人ユニットとは、「線の細いシンセおたくのトラックメイカーと、歌はまぁそこそこだけどジャケット映えするモデル上がりの女性シンガー」というのがセオリーとなっている。
 松浦はそのセオリー通りとしても、やたら歌はうまいけどセクシャリティのかけらもない、見た目も声質も中性的なヴォーカルのチャカは、どう見たって合致しない。後年になってから、同じ属性を持つEGO-WRAPPIN'のようなユニットも出てきたけど、前者2組も含めて大ブレイクしたとはとても言いづらい。やっぱル・クプルのように、男女間のLove>Like的なムードを醸し出さないと、日本ではブレイクしづらいのだろうか。

 単発企画で終わったはずのプレイテックスは、思わぬ好評からインディーズでアルバム発売、これまた業界内では好評につき、あれよあれよとメジャー・デビューが決定してしまう。それでも2人とも、この時点では松浦もチャカもPSY・Sは単発モノ、メインの音楽活動あってのサイド・プロジェクトという心持ちだった。サウンドの性質上、永続的なユニットとしては見ていなかったようである。
 当時から、バックトラックやアレンジを取り仕切るのは主に松浦で、チャカは歌入れのみ、と役割分担ははっきりしていた。後期になってからは、チャカの意向も反映されるようになってきたけど、解散するまで基本的な位置関係は変わらなかった。
 適材適所の役割分担がしっかりできていたこと、そしてチャカがあまりアーティスト・エゴを強く主張しなかったことが、ユニットが10年続いた要因であり、また後期のパワーバランスの乱れこそが、巡り巡ってのユニット解消に至る。

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 で、『Different View』。デビューするにあたって、当時、新人プロデュースで定評があったムーンライダーズ岡田徹を招聘、若干の軌道修正を図ることになる。
 購買ターゲットを明快にするため、ある意味付け焼き刃だったファンク・ビートを大幅に薄め、松浦の特性であるメロディ・タイプの楽曲を主体としたテクノポップを、全体のトーンとした。ただ、これだけじゃインパクトに欠けるので、日本での個人所有はまだ少なかった「フェアライトCMIを操る天才クリエイター」を謳い文句として、プロモーションの柱とした。
 サンプリング・レートが8ビット、最大周波数が30.2kHzと、今から見ればファミコン程度のマシンをひとつの売りとしていたのだから、まぁ何と牧歌的な時代だったのやら。
 ただ、そんな低スペック・マシンをポップ・ミュージックのフィールドで展開していたのは、日本ではまだ松浦くらいしかいなかったし、そこから繰り出されるサウンドを上回るほどのメロディ・センスがあったことも、また事実である。
 クラシックの模倣か、シーケンス・リズム主体の無味乾燥なサウンドにまみれた、実質プリセット音に頼りきりの「名ばかりシンセ・プレイヤー」の中で、松浦の才能は一歩も二歩も抜きん出ていた。

 初顔合わせということもあって、プレイテックス時代はチャカに歩み寄ったサウンド・メイキングだった松浦も、PSY・Sになってからはコンセプトも一新、主導権を完全に握っている。
 テクノポップを第一義とするため、ファンクネスなビートやグルーヴ感は一掃された。出力的には貧弱なフェアライトCMIをサウンドの軸とするため、もともとナチュラルにコンプがかったチャカのヴォーカルは、さらにピークレベルが落とされた。あくまでバックトラックが主体、ヴォーカルもまたサウンド・パーツの一部である、という考えに基づくものである。調和したアンサンブルに重きを置く理系男子の松浦の判断として、全体バランスを考慮するためには、ヴォーカルはサウンドに埋没させなければならなかった。

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 本来ならメインであるべきはずのヴォーカルをサウンドと同列化させるのだから、歌詞はプレイテックス同様、雰囲気英語でよかったはずなのだけど、歌謡曲と同じ棚に並ぶメジャー・デビューともなると、それもちょっと問題である。ソニー的にも良い顔しないだろうし、岡田徹的にもちょっとまずい。
 「取り敢えず外部発注して辻褄合わせましたよ」的な歌詞は、どことなくフラフラして曖昧な表現が多い。そりゃそうだ、言葉で訴えたいことなんてもともとないし、請け負った方だって、どんなコンセプトのユニットだか見当つかないんだから。
 大事なことはひとつ。取り敢えず、サウンドの一部としてチャカが歌っていればよい。下手な主張やストーリー性を持たせると、緻密なアンサンブルにはむしろ邪魔なので、それだったらいっそ徹底的に無意味な方がいい。

 ちょっと極論になってしまったけど、もともとサウンドで勝負するタイプだった松浦ゆえ、言葉というものをどう取り扱ってよいのかわからなかった面がある。松浦的には、チャカが歌いやすい言葉なら、歌詞なんて何でもよかったし、ずっと英語ばかり歌っていたチャカにしても、慣れない日本語の節回しについてくのが精いっぱいだったと思われる。
 その後はチャカも松浦も、言葉やストーリー性に関心を抱くようになるのだけど、それは2枚目以降の話。ここでのPSYSはまだ、実験的テクノポップ・ユニットのひとつでしかない。『Collection』での他アーティストのコラボ交流によって、2人の視野は広がることになる。

 長くなりそうなので、一旦、ここでおしまい。
 PSY・Sについて、今回はもう少し書いたので、続きはまた次回。


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1. Teenage
 アルバムと同時発売されたデビュー・シングル。デジタル臭の強いスネアが印象に残る、ていうかほぼそれを中心に構成されたナンバー。一分の狂いもないシーケンスに合わせて、どうにか無味無臭であろうとするチャカの葛藤が窺い知れる。これを人力でやろうとすると、もっとユルいパワー・ポップになってしまい、ウェットさばかり目立ってしまう。再現不可能のハイパー高速スネア連打は、中途半端な田舎の高校生の度肝を抜いたことでも有名(?)

2. From The Planet With Love
 全曲英語詞のため、プレイテックス的な感触が最も残っている、クールなテクノ・ファンク。熱くならないヴォーカルと冷静沈着なバックトラックという路線は、和製Annie Lenoxとして、結構面白い展開だったと思うのだけど。中盤のラップ・パートはその後のPSY・Sでは見られないものので、貴重なトラックでもある。



3. I・E・S・P(アイ・エスパー)
 そんなファンクネスを活かすのではなく、チャカのもうひとつの特性、チャイルディッシュな声質をマルチ・ヴォーカルによって空間的に演出、浮遊感あふれるサウンドに仕上げている。松浦のディレクションによるものなのか、ヴォーカルの響きの陰影は薄い。あくまでサウンドが主であって、感情を出すのを嫌ったのだろう。

4. Big Kitchen
 50年代アメリカのコメディドラマのリメイクと言ったら信じてしまいそうな、チープな音色のエレピとエフェクトで構成された小品。途中、ダブっぽいブリッジがあるのがちょっと新しい。

5. 景色
 ハルメンズ解散後・パール兄弟結成前のサエキケンゾウ作詞によるポップ・チューン。後に『Two Hearts』でもリメイクされているくらいなので、ファンの間でも当初から人気が高かった。松浦のメロディ・センスの良い面がうまく強調されており、チャカも比較的抑揚をつけて歌っており、抒情派テクノ・ポップとしてのひとつの完成形。

6. 星空のハートエイク
 リズム・パターンが目まぐるしく変わり、歌いずらそうな曲だけど、難なくこなしてしまうチャカのキャパの広さが印象的。シャッフル気味なスネアの音は当時先進的だったのだけど、いま聴くとちょっとうるさいな。後にリメイクしたのも納得できる。

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7. Paper Love
 これもチャカのもうひとつの側面である、スウィング・ジャズと歌謡曲とのハイブリット的なポップ・ナンバー。キーもちょっと高めなので、今のアイドルかアニソン歌手あたりがうまくリメイクしてくれれば、再評価につながりそう。

8. Desert
 オリエンタルなエフェクトや、ラクダの歩みに合わせたリズムなど、タイトル通り、砂漠を連想させるナンバー。親しみやすく異国情緒あふれるメロディが心地よい。

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9. 私は流行、あなたは世間
 唯一、本名の安則まみ名義でチャカが書き下ろした、スケール感の大きいバラード。平易な言葉をフラットなヴォーカルで、リズムはやたら凝ってるけど、歌を邪魔するほどではない。

 くり返し くり返し 重ねた言葉 
 いつまでも いつまでも 確かめてみる

 書き記すと他愛もない、メロディだってそれほど起伏もない。無愛想な曲なのにでも、こんなに愛おしく、多くのファンの心に残るのはなぜなのか。
 最後のピアノ・ソロのコーダが「Layla」っぽいとは昔から思ってたけど、そんな些末もチャラにしてしまう、得体のしれない「うたの力」が込められている。
 ある意味、これを世に出した時点で、初期PSY・Sの役目は終わっていた、と言ってもいい。それくらい強い求心力を持つ楽曲である。



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これまでのファンの期待を打ち砕く、やりたい放題のサウンド - PSY・S 『Emotional Engine』

folder PSY・Sの代表的なアルバムといえば、フェアライトCMIを全面的に使用した初期のテクノ・ポップか、Live PSY・Sに象徴される、Jポップ・テイストを導入した中期の作品に人気が集中している。ざっくり分類すると、『Collection』までが初期で、『Mint Electric』から『Signal』 までが中期といった感じ。あくまで俺の独断なので、異論があればどうぞ。
 で、中堅ポップ・バンドとしてのスタンスを確立して以降、後期の作品にスポットが当てられることは少ない。中期のシングル・ヒットの影響もあって、名前はそこそこ知られていたため、タイアップ付きのシングル・カットも多いのだけど、大きなヒットに結びついたわけでもない。アンサンブルやメロディ・センスもこなれてきており、全体のクオリティは上がっている。
 けれど、90年代を象徴するビーイングやTKサウンドと比べると、ヒットの条件である明快な下世話さが足りず、「センスが良い音楽」というレベルにとどまっている。中堅という立場上、ニッチな隙間を狙ってゆくというポジションではなかったため、ザバダックのようなマニアック路線という選択肢もなかった。
 コンポーザーである松浦の意向と、ソニーの方向性とがどれだけ噛み合っていたのかはわかりかねるけど、幸福な相互理解が失われつつあったのがこの時期である。

 そんなわけで『Emotional Engine』、一応音源は持ってはいるけど、長らくきちんと聴いてなかったアルバムである。そもそも購入したのも「これまでも聴いてたから」という惰性によるものであって、すっごく聴きたくて発売日に並んだものでもない。多分2、3度聴いてそのまんまになって、すぐに売っぱらってしまった記憶がある。
 近年になって俺の中でPSY・Sの再評価の機運が高まり、まとめてブックオフで購入したのだけど、やっぱり初〜中期の作品ばかり聴いていたので、ちゃんと聴いてみたのはコレが初めてである。
 当初は時系列に沿って、初期の作品から順を追って聴き進め、それに則ってレビューしてゆくつもりだったのだけど、初っぱなの『Different View』から行き詰まってしまった。どうにも文章が進まない。
 なので視点を変え、最終作から逆に追って聴いてみようと思い立ち、これを聴いてみた。理由なんてない。なんとなくだ。
 すると―。
 いいじゃないの、これ。
 思ってた以上に引き込まれる作品だった。

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 冨田勲によって開眼したシンセ少年が、紆余曲折を経て宅録上等のシンセ青年へと成長し、当時はめちゃめちゃ高価だったフェアライトCMIを個人購入、そこから導き出される緻密に構築されたアンサンブルが、初期PSY・Sの基本コンセプトである。
 ユニットとして最小単位の2名体制は、すっごく単純に分けると「歌担当」と「それ以外の音担当」と、きっちりした分業体制が確立されていた。互いの仕事を尊重するため、また効率的なバンド運営を志向する彼らの共同作業は、至極システマティックに行なわれた。
 初期のPSY・Sは主に松浦がイニシアチブを取っており、彼の意向がそのままコンセプトとして反映されることが多かった。デビュー前から関西方面でのライブ活動で実績を積んでいたチャカはといえば、キャリアは上にもかかわらず、逆に「まな板の鯉」的な状況を面白がっており、どんな具合に料理されるのかを楽しんでいた。
 ここではヴォーカリストとしてのエゴは必要ない。声もまた、構成パーツの一部でしかない。中途半端にプライドの高いアーティストならありえない扱いだけど、それだけ自分のヴォーカル・スキルに自信があった証でもある。
 チャカが引くことでバランスが維持されていた、平和な時代のエピソードである。

 ライブ活動を並行して行なうようになって、関わるミュージシャンも増えてゆき、次第に生音比率が多くなっていったのが、中期のPSY・Sである。
 コラボレーション・アルバム『Collection』 にて、他者との共同作業に目覚めた松浦。それまでは単独で作り込んで完結させる「個」の作業が中心だったけど、予測不能なアクシデントも多いセッション作業を重ねることによって、これまでになかったバンド・グルーヴへのカタルシスを得ることになる。
 すべての音を自分のコントロール下に置き、制御しないと気が済まなかったため、孤独な打ち込み作業に没頭していた松浦。そんな彼がエンジニアからミュージシャンへと成長して行く過程を赤裸々に記録しているのが、この時期である。

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 いわゆる80年代ソニーを象徴する「インパクト重視のサビ」、「MIDIシンセをメインとした耳触りの良いアレンジ」。それをPSY・Sサウンドの定義とするならば、ここで鳴っているサウンドは明らかに逸脱している。
 ブリッジ的なインスト小品もあれば、全編英語で歌われている楽曲もある。オリコン・チャートを意識したポップ・チューンもあるにはあるけど、全体を支配しているのはいびつで実験的、それでいて商業ベースのアベレージもクリアしたサウンドだ。クオリティは高いけど、これまでのキャッチーなPSY・Sを求めるユーザーからすれば、期待はずれ感は強い。
 しかし、その中期をすっ飛ばして、2枚目の『Pic-Nic』からの地続きとして考えると、流れはスッキリする。
 メンバー構成としては最小限の2人ユニット、やれることは限られてしまうけど、その限定された条件の中でやりたい放題ができる。前述したように、唯一のフィジカル要素であるチャカの肉声をサウンド構成パーツの一部として捉え、他者の介在を許さぬ閉じたサウンドが本来の資質だと考えれば、初期のヴァージョン・アップとしてのPSY・S像が見えてくる。

 PSY・S解散後、松浦は大ヒット作「パラッパラッパー」に代表される、いわゆる音ゲーのフロンティアとして独自路線を邁進するわけだけど、そこに肉声のヴォーカルはない。近年になって久しぶりに現場復帰して、マイペースでライブやSoundcloudへの音源アップを行なっているけど、使用されているのはヴォーカロイド機材であり、フィジカルな要素を導入する気持ちはさらさらなさそうだ。
 彼にとってヴォーカルとはサウンドの一部であって、それ以上のものではない。それは長く活動を共にしたチャカでさえも同様であり、逆に言えば中・後期PSY・Sで展開されたサウンドの方が、彼のキャリアの中では異色だったと言える。
 敢えて道具として扱われることに逆説的な快感を見出していた初期のチャカだったけど、次第にヴォーカリストとしてのエゴが表出するようになり、それは松浦が提唱した初期コンセプトを揺らがせるようになる。ライブやセッションにおけるバンド・マジックは、チャカにとっては経験済みのものだったけど、宅録少年として青春を過ごした松浦にとっては未知の体験であり、それは確実にフィジカルな要素への憧憬を掻き立てた。
 主にチャカによるフィジカル・テイストの導入は、初期のゴツゴツしたテクノ・ポップに彩りを与え、人工的な質感を払底させることによって、より多くのユーザーを獲得した。ただし、キャリアを重ねるに連れて初期の尖ったテイストが薄くなり、凡庸なJポップ・ユニットに変容していったこともまた事実である。

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 多勢のJポップ・サウンドと同化しつつあるのに危機感を抱いていた反面、PSY・Sというプロジェクトが大きくなり過ぎて、もはや2人の同意だけでは操縦できなくなっていた。アコースティックのセルフ・カバーなんて、もともと松浦の資質にはないものだし、ある意味やけっぱち感も垣間見えてくる。
 後期のインタビューや、解散後それぞれの動向を見ると、肝心の2人の意思疎通ですら困難になっていたことがわかる。惰性でルーティンをこなして行くことを潔しとせず、すべてをリセットしないと、互いのメンタルが持たなかったのだろう。
 そんな反動もあってなのか『Emotional Engine』、これまでに培われた「アコースティックとデジタルとの程よいミクスチュア」はどこへやら、同時代性の強いハイパー・デジタルなサウンドが展開されている。90年代中盤のJポップの流れに倣って、音圧は強くピーク・レベルも高い。だけど、基本構造は初期を彷彿させるハイパー・テクノ・ポップだ。使用機材のスペックがアップデートしたおかげで、トータルとしてのダイナミクスが増した。
 でも、チャカのヴォーカルは変わらない。彼女の立ち位置はそのまんまだ。彼女はいつもそうだった。ただ、純正テクノ・ポップを追求した松浦のディレクションによって、人工的な響きに加工されている。
 そこに中途半端なJポップの響きはない。あるのは、サウンドの一部としてパーツに徹したチャカそのものだ。

 『Emotional Engine』の音は、これまでのファンには優しくない。
 松浦とチャカはもう、彼らへの想いを叶えることはない。もっと先を見ることを選んだのだ。

 そのもっと先が何なのか?
 彼らにもわかってないのかもしれない。
 けれど、
 「いるべきなのはここじゃない」。
 それははっきりしている。


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1. Power Stone 
 いきなりハイテンションなヴォーカルとハードなシーケンス・サウンドにのけ反らされる。基本構造は初期そのものだけど、マシンが違うとここまで違うのか。全編、アコースティックな雰囲気はさらさらない。例えるなら、再結成したYazooといったところか。
 惜しいのは、作詞が松本隆。ここでのドライなサウンドに彼のウェットなリリックは似合わない。まぁチャカのヴォーカルのパワーなら、言葉なんてなんでもいいんだけどね。イメージ優先の内容のない歌詞、そういうのはサエキけんぞうの独壇場だ。

2. Believe in Music
 ひねったコード進行はPrefab Sproutを連想させるところも。タイトル自体、Paddy McAloonが選びそうなテーマだし。松浦が作るシーケンス・ドラムの音色は、生音ともマシン音のそれぞれよいところを組み合わせた響き。これだけでも聴く価値がある。
 前回レビューした山下達郎『Pocket Music』からわずか10年。デジタル・レコーディングはここまで進化した。 

3. be with YOU [ALBUM MIX]
 ウェット感を払底したハードなテクノ・サウンドが支配する、暴力的とも形容できる音世界。これがシングルだったんだなぁ。辛うじてチャカのヴォーカルによってJポップとして踏みとどまっているけど、バック・トラックだけだったらかなり乱暴な作り。
 でも、そのギャップ感こそがPSY・Sの初期コンセプトだったことを思い出させてくれるナンバー。
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4. sign
 ブリッジとして挿入された1分程度のインスト・ナンバー。作り込まれた雰囲気重視のシンセ・サウンドに、ディストーションの効いたギター・ソロが少しだけ。不穏なムードはエピローグか、それともプロローグなのか?
 
5. 魔法のひとみ [ALBUM MIX]
 このアルバムの中では比較的ポップな感触のナンバー。3.のB面としてシングル・カットされている。こっちがA面でも良かったんじゃないか、とは俺の個人的感想。
 中期を彷彿とさせるメロディ・ラインを持ち、凡庸なJポップ・チューンになってしまうところを、ハモンドを模した金属的な鍵盤系がスパイスを添えている。この辺が一筋縄では行かない時期である。

6. 花のように [EDIT VERSION]
 PSY・Sとしてはほぼ初めてとも言える、ベタなバラードで始まるミディアム・スロー。逆説的に考えると、ここまで大衆におもねったナンバーは今までなかった分、彼らとしてはアバンギャルドの類に入る。
 う~ん、聴けば聴くほどつまんねぇな、この曲。前半のインパクトが強かった分だけ、なおさら。

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7. もうちょっとだね 
 こちらものどかなポップ・チューンなのだけど、こちらの方が彼らの本質に近い。ベタなバラードだと、せっかくのチャカの幅広い声域を活かしきれないのだ。
 ハモンドとナチュラルなスネアが心地よく聴けるのだけど、これさえも松浦の完璧なシミュレートの賜物だと考えると、なかなか感慨深い。でも、こればっかりだとユル過ぎてつまんないんだろうな。

8. 月夜のドルフィン 
 サイバー感あふれるブレイクビーツ仕様のテクノ・ポップ・チューン。ダンス・チューンに仕上がっているのに踊れない、それがPSY・Sナンバーである。やはりどこかで肉体性を信じ切っていない男によるサウンドである。その性急なビートは躍動感ではなく、強迫観念から来るものである。

9. 雨のように透明に 
 かなり屈折したレゲエ・ビートを効果的に使ったバラード・ナンバー。8.同様、レゲエなのに踊れない。そして熱くない。そのサウンドのコアはあくまで冷静だ。肉体の幸福な偶然を排除し、緻密にミリセコンド・レベルに調整されたリズムは芸術品でさえある。
 チャカのヴォーカルは無色透明で、決して熱くなることはない。メインであるはずなのに匿名性を貫くように、その声はサウンドに埋没している。

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10. Seeds
  英語詞で歌うのは、おそらくデビュー・アルバム以来。最後はほぼギミックも使わず、ピアノをメインとした王道バラード。この辺はチャカに敬意を表したものと思われる。
 と思ったのだけど、中盤を過ぎて突然のブレイク、リズミカルなストリングスとドラムをバックにしたハイパー英語ラップ、というよりはポエトリー・リーディングが挿入される。ほんと脈絡のないところで登場するので、ドキッとさせられる。
 最後は再びピアノ・バラードに戻り、終焉。

11. Lotus
 アルバム全体をトータル・アートとして捉え、そしてPSY・Sというプロジェクトのラストを飾るのは、壮大なストーリーのエピローグ的なインスト・バラード。こういう展開って、やっぱりプログレだな。特別コンセプトを掲げていたわけではないけど、雰囲気重視のサウンドはPink Floydを連想させる。



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北海道の中途半端な田舎に住む、そろそろアラフィフ男。ほぼ週1のペースで音楽ブログ更新中。節操ない聴き方と思われてるけど、自分の中では一貫してるつもり。 最近は蔵書の整理がてら、古い本を再読中。ジョン・アーヴィングから始まって、フィッツジェラルドやゾラ、モームなど、いわゆる古典の復習中。いつになったら終わることやら。新刊読めねぇや。
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