好きなアルバムを自分勝手にダラダラ語る、そういったゆるいコンセプトのブログです。

ねぇ、ぼくのホントの気持ちだけど…、君とイチャイチャしたいだけなんだっ - 岡村靖幸『禁じられた生きがい』

folder 日本の90年代ベスト・アルバム・ランキング的企画では、必ずと言っていいほどランク・インする傑作『家庭教師』をリリースした後の岡村ちゃんだけど、その後の産みの苦しみから伴う創作上のスランプは、およそ5年の長きに渡っている。
 ほんとはもっと早くできるはずだった―。誰もが、そして岡村ちゃん自身も思っていたことだろう。
 
 渡辺美里のブレーン的立場という、裏方からスタートした岡村ちゃんのキャリアは、その後徐々に実績を重ね、満を持したあたりでソロ・デビューに至る。最初は80年代ソニー的サウンドのフォーマットに則った音作り、それから試行錯誤の末、Princeをお手本とした密室ファンク・サウンドと、松田聖子を代表とする歌謡曲的ペンタトニック多用のコード・メロディの融合の末、オンリー・ワンの純国産ポップ・ファンク・サウンドを創り出した。

 理想とする音を具現化するため、思いつく妥協は徹底的に排除、録音されるすべての音に「岡村靖幸」という痕跡を残したいがため、ほとんどすべての楽器を自分で演奏するようになった。いま聴くと、テクニック的には稚拙な面も窺えるけど、岡村ちゃんが全身全霊を込めて鳴らす音は、スタジオ・ミュージシャンが出す無難で流麗な音とは明らかに違っている。
 レコーディングにまつわるほぼすべての作業に岡村ちゃんは積極的に介入し、純度100%に近い濃厚エキスの塊のようなサウンドは、ファンに対しても常に挑戦的で、ある種踏み絵的な覚悟を強いる。単にBGMとして聴き流すことも可能だったけど、少しでも興味を抱く者なら、強引に岡村ちゃんワールドに引き込まれてしまう。ほぼ混じりけのない、岡村ちゃん成分100%の濃厚なフォン・ド・ヴォ―は、猛烈にクセになって狂信者になる者と、Princeのエピゴーネンとして拒絶反応を起こす者に二極化した。
 
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 先行シングルになるはずだった”ターザンボーイ”は、基本『家庭教師』で培ったサウンドをほぼ踏襲している。多分この時点では、『家庭教師』の続編的なサウンド・コンセプトを掲げて進行していたんじゃないかと思われる。音に迷いがなく、自信に満ちあふれたヴォーカルが、それを表している。
 しかし…、肝心のアルバムの完成は難航した。
 先行シングル→アルバム・リリース→全国ツアー、というのが当初の流れだったと思われるので、アルバムが完成する前提でツアー予定・テーマは組んでしまっており、そうそうスタジオに籠っているわけにもいかない。
 岡村ちゃん的にも、そしてニュー・アルバム待ち望んでいたファン的にも、非常に中途半端な気持ちの中、ツアーはそこそこの好評を得て終わる。
 
 この当時の岡村ちゃんのインタビューを読んでみると、「歌詞が書けない」ことをについての発言が多い。多分岡村ちゃんのことだから、サウンドやメロディに関しては、もちろんスランプもあるだろうけど、それほど大きな挫折はなかったはずだ。実際この5年の間にも、他アーティストからの作曲依頼もちょくちょく受けており、セールス結果の良し悪しはあれど、きちんと個々のキャラクターに合わせたサウンド・歌詞をコーディネートしている。対象が第三者なら、客観的な視点で創ることは容易なのだろう。
 ただ、自分の事となると話は違ってくる。これまでのファンは、当然100%岡村靖幸の濃縮エキスを待ち望んでいるだろうし、岡村ちゃん自身だって、妥協した物は出したくないはずだ。
 当然、自分自身の中のハードルは上がっている。特に歌詞、「ベイベェ、僕の気持ちをわかってほしいんだ」的な内容はどうなんだろう?もっとストレートでむき出しの言葉を、もっと詰め込んでみたいけど、それじゃもう曲の形を成さない、じゃあ、もっとリアルな言葉とは?
 
 その後、喉の不調や対人関係のトラブル、他にも多分プライベート的な問題もあったらしく、数回の発売延期を経て、どうにかリリースにこぎ着けたのが1995年。先行シングルであったはずの”パラシュート・ガール“からは、もう4年の歳月が流れていた。
 で、オリコン最高8位という、非常に微妙なセールスで終わっている。この頃のヒット曲と言えば、ドリカムやミスチル、そしてユーミンもまだミリオン・ヒットを飛ばしていた頃。ビーイング・グループの勢いが一段落し、小室サウンドの台頭が始まった頃でもある。そんな時期に、これほど一個人のキャラクターが強すぎるサウンドが一般的に浸透するはずがなかった。

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 クオリティ的には自信があったはず。ただ、大傑作『家庭教師』の後ということで、かなり割を食っている、ちょっとかわいそうな立ち位置のアルバムである。
  ただ、リリースから20年近く経って、時代背景を抜きにして聴いてみると、『家庭教師』のハイパー進化形、岡村ちゃんエキスがさらに濃縮されたアルバムだということがわかる。これはがもっとコンテンポラリーなスタイルにプロデュースされていたのなら…、というのは今さらだけれど、まぁどっちにしろライト・ユーザーにまで浸透するサウンドではない。ただファンとしてこのアルバムは、岡村ちゃんを理解するためには避けては通れないものなのだ。
 もしかすると、岡村ちゃん的には黒歴史的なアルバムなのかもしれないけど、このムッとしたイカ臭さの詰まった(褒め言葉)サウンドは、俺的には昔の彼女の写った写真を見ているかのような、こそば痒くて懐かしくって、でもそんなに引きずりたくないような、でも忘れることはできないアルバムである。


禁じられた生きがい
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岡村靖幸
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1. あばれ太鼓
 岡村ちゃん初のインスト作品。純粋なインストゥルメンタル作品というよりは、歌入れしていないバック・トラックっぽい仕上がりになっている。サウンドも作り込んでタイトルも決定して、仮ヴォーカルまで入れたはいいけど、どうにも納得行く歌詞が書けず、最終的にこんな感じで仕上がっちゃった、という感じ。
 岡村ちゃんくらいのキャリアなら、この程度の曲ならいくらでも作れるはず。鼻歌でアコギをかき鳴らしていれば、すぐ二、三曲はできあがっちゃうんだろうけど、やはり問題は歌詞。5年振り、満を持して放つ復活アルバムの一発目にこれを入れるとは、さすが岡村ちゃん、常人とは感覚が違うのがわかる。
 
2. 青年14歳
 アルバムの中でも最も人気の高い曲。『家庭教師』サウンドの進化形と考えてもいいくらい、それだけオリジナリティに満ち溢れている。スイング・ジャズのエッセンスと密室ファンクとのハイブリットに、支離滅裂な歌詞を暑苦しくシャウトする岡村ちゃん。そう、歌詞の意味なんて細かいところにこだわらず、あらゆるものを突き抜けた極北の彼方でダンスしまくる岡村ちゃんが、そこにはいる。
 
”野蛮でノーバンで 冗談で暮れる 青年14歳“
 
 韻を踏む以外は何にも考えてなさそうなフレーズだけど、いやいや、イカ臭い14歳を通過した男なら、何となく共感できると思う。

 

3. クロロフィル・ラブ
 『Lovesexy』期のPrinceのサウンドを想起させる、濃厚ファンク。Princeの場合、Sly Stoneに倣って、音を「抜く」作業によってリズムの真空を創り出す手法だったけど、岡村ちゃんの場合は様々なエフェクト音を足して足して足してなので、とっ散らかった印象が強い。バック・トラックとしてはすごく好きなのだけど、歌詞があまりに散文的でまとまりがないため、アルバムの中では印象が薄い。
 
4. ターザン ボーイ
 オリジナルのシングル・リリースは1991年なので、3.よりもう少し聴きやすく開かれた楽曲。歌詞自体も「もてたくてもてたくって」というイカ臭さを前面に押し出しており、歌詞の変遷としてはやはり『家庭教師』の延長線上だけど、「君のために ライオンと戦える男でいたい」というメッセージは、すべての男にとって切実なものでなければならない。
 
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5. 妻になってよ
 比較的早い段階で仕上がっていた曲で、1992年の段階でシングル・カットの予定もあったそうだけど、まぁしなくて正解だったと思う。
 しっとり落ち着いたサウンドに激情ヴォーカルが絡む、”イケナイコトカイ”タイプのバラードだけど、多分女性関係で悶々としていた思われる、当時の岡村ちゃんの切実な思いが伝わってくる。ただ、世間一般が岡村ちゃんに求めているのは、残念ながらこういった感じじゃない。シングル・リリースするにはパーソナルな部分が濃すぎるのだ。
 その辺を、岡村ちゃんも周辺スタッフも、わかっていたんじゃないかと思う。
 
6. パラシュート★ガール
 5.の後にレコーディングされた曲。『家庭教師』フォーマットの曲どれにも言えることだが、どれも2.の革新性の前では霞んで見えてしまう。
 こちらもシングル・リリース当時は岡村ちゃんのポップ・ファンク新曲として認識されていたのだけど、アルバムに収録されて横並びになると、シングルとして既発表曲と新曲との差が大きく感じられる。制作時期の違いによって統一感が失われている、というのがこのアルバムについてよく指摘されていることである。ただ、それを抜きにして単体で評価すると、やはり優良な岡村ちゃんフォーマットのちょいエロ・ポップである。はすっぱな女を演じるCHARAもいい味出している。
 
 

7. どぉしたらいいんだろう
 過去作“どぉなっちゃってんだよ”で、世間にロックに女の子にメディアに対して、不満をぶつけまくった岡村ちゃん、その瞳には迷いはなく、「俺に着いてこいよ!!」的なアプローチで歌い叫び腰を振った。
 しかし、ここでの岡村ちゃんは、また思い悩み苦しむのだ、前作で自信を持って克服した課題に。
 サウンド的にはニュー・タイプとなっており、こちらはほんとカッコイイ。ただ、その思い悩むのが鬱々となるわけでなく、「どぉしたらいいんだろう」という歌声は軽やかで、しかも巻き舌だ。
 ちなみにアウトロがちょっと前作”(E)na”へのオマージュ。
 
8. Peach X’mas
 NHKのクリスマス・スペシャル番組用に制作された曲。アルバムと同時発売された、本当の意味での先行シングルである。
 ゴージャスでドラマティックなサウンドに、エモーショナルなヴォーカルが絡む、これぞ岡村ちゃん!!とでも言うべきベスト・トラック。せっかくのクリスマス・イヴに何の予定もない、全国の童貞どもに勇気を与える岡村ちゃんのメッセージが熱い。
 
「教えてあげるんだ お前のPower お前の実力を
本気出せば こんなもんだぜ どーだまいったか Girl」
 
 かつてこれほど、こじれた男たちに勇気を与えてくれる曲があっただろうか?

 

9. チャーム ポイント
 8.が「本家」なら、こちらは「元祖」の先行シングル。曲調としては『家庭教師』フォーマットだけど、サウンドは完全にニュー・タイプとなっており、うまい感じで新旧が融合している。歌詞も硬軟取り混ぜた時事問題に触れており、その辺が”どぉなっちゃってんだよ”とのリンクが感じられる。やはり「好きなんだぜベイベェ」だけじゃ、そんなにバリエーションは望めない。
 5年間岡村ちゃんがスランプに陥っていた原因は、すべてここに現われている。現実と妄想とをミックスした歌詞へリアルを求めるがあまり、サウンドの先鋭化との乖離が大きくなる。そのジレンマに苦しむことによって、音楽からの逃避が結局、あの不幸な事件の連鎖へと繋がり、つい近年までその状態は続いていた。
 
「毛だってもっと隠せよ」
「しょっぱくピリ辛 泣かす旅に出るよ」

 
 大して意味もないのだけど、岡村ちゃん渾身のサウンドに乗せて歌われると、これらのフレーズが言霊となって大きく意味を成す。




 つい先日のスマスマ出演により、全国の岡村ちゃんファンが再び盛り上がっている。長らく関心が薄れていた昔のファンたちにも、一気に認知度が高まった。
 嵐の番組じゃなくって、SMAPだから岡村ちゃんを盛り立ててくれた、という声も聞く。確かに嵐だったらコラボしても面白くないだろうし、トークでもあまりいじってもらえず、中途半端に終わったことだろう。
 シングルもリリースされたし、そろそろフル・アルバムの準備もしてるんじゃないかと思われるけど、またプレッシャーがかかると独りで何かとこじらせてしまうので、信頼できる若手のブレーンとまったり進行でやってほしい。
 いつまでも待ってるよ、岡村ちゃん。



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フランス人なのに暑苦しい男、James Copley - Electro Deluxe 『Home』

folder ここ一年くらい、俺的には結構盛り上がっているにもかかわらず、日本では知名度も人気的にも悲劇的なくらいイマイチなフランス産ジャズ・ファンク・バンド、またまたElectro Deluxeのご紹介。
 
 フランス国内ではそこそこ盛り上がっているらしく、twitterやfacebookをチェックしていると、月2~3度くらいだけど、ライブの予定が半年先くらいまで開示されており、切れ目なくオファーが続いているのがわかる。
 あだ、その人気がユーロ圏内から飛び越えることが難しいらしく、現状ではライブもほぼフランス国内に限定されており、海外公演は至難の業だという状況が続いている。それでも草の根的に世界中に広がりつつあるファンたちに向けて、また更なる拡大を目指して、彼らもいろいろ策を講じている。

 海外のバンドがライブ・シューティングを行ない、Youtubeで発信してファンの拡大を狙うことは、近年どのバンドも力を入れていることである。彼らもまた例外でなく、特に今年に入ってからは更新の頻度が多くなっており、現在もほぼ月一くらいのペースで動画をアップしている。
 当初は臨場感あふれるスタジオ・セッション中心で、シンプルかつ低予算のハンドメイド、手作り感満載の作りだった。ただ、このアルバムがリリースされた前後になると、どうも予算が増えたのか、本格的なスタジオ・セットを組んで観客を入れてライブを行なったり、郊外の一軒家へロケに出たりと、曲ごとに趣向を凝らした作りになっている。最近ではスタジオ・セットを組んで寸劇仕立て、3人のバック・ダンサーに翻弄されておどけるヴォーカルのJames Copleyが、ちょっぴりカワイイ(とはいっても、愛想の良いMorrissey似のオヤジが蝶ネクタイにタキシード姿で溌剌と動く様をカワイイと思えるかどうかは、あなた次第)。

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 俺はどうしてこんなにこのバンドが好きなのだろう?
 何が魅力的なのか、なぜそれほど俺の心を魅了するのか-、整理するため、ちょっと箇条書きにしてみた。
① ジャズやファンク成分の強い無国籍サウンド
② ロックの影が薄い
③ ファンク要素の強いリズムと、ジャズ・テイストのホーン・セクションとの絶妙な組み合わせ
④ ルックスはそれほど…、というかビジュアル面で勝負してない、一般的なイケメンは数少ない
 以上、いくつか羅列してみると…、なんだ、ただのJoe Jacksonじゃねぇか。
 
 人の趣味嗜好はそれぞれだけど、俺という人間は、この手のサウンドにはほぼ無条件で反応してしまうらしい。これまであまり意識したことはなかったけど、それくらいJoe Jacksonと共通点が多かった。
 これらの条件に当てはまるアーティストとして、他にSteely Danがいる。彼らも基本、個々のキャラクターを前面に押し出したタイプじゃないよな、そういえば。Donald Fagenがソロ・デビュー間もない頃、あの『Nightfly』のジャケットでシブい大人のフェロモンを放出していた時期もあったけど、それももう昔の話、今じゃただの偏屈なオヤジである。片割れのWalter Beckerは相変わらず宮崎駿そっくりだし。
 ④の条件に絞ると、他に大滝詠一やBeautiful Southも該当するのだけど、掘り下げるとキリがないのでやめておこう。

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 バンド名の由来通り、デビューと2枚目くらいまではエレクトロ成分を若干まぶしたビートと、ジャズ・テイストな生音との融合、それにごくわずかのヒップホップ風味も入って、とっ散らかってごちゃ混ぜなサウンドになっており、その未整理加減こそが一部のジャズ・ファンク好きには早くから注目を浴びていたのだけど、あくまで狭いジャズ・ファンク村での内輪の話題であり、それが外部に大きく広がるほどではなかった。
 バンドとしての方針というか、サウンドのコンセプトがイマイチ曖昧だったのだ。多くの大衆に届けるには、もっとわかりやすい言語が必要だ。
 しかし、バンド結成から間もなかったため、何をやり始めるにもすべてが手探りだ。確固としたコンセプトの立案にはまだ時間が必要だったし、もしあったとしても予算も時間も、そしてメンバーそれぞれのスキルも充分でなかったのだろう。
 
 地道な活動を続けるうち、それなりにではあるけど知名度も広がり、それなりにライブのオファーも増え、今までならシンセ機材で出していた音も生音、特にホーン・セクションをレコーディングに使えるようになった、さらに予算が増えるとパートタイムではあるけど、ライブ・メンバーとして常駐できるようになった、最初は予算の関係上、苦肉の策だったループ・ドラムやプリセット音も、わざわざ使う必要がなくなってきた。理想的なバンドとしての成長である。
 ていうか、もともとこんな感じのサウンドを志向していたのか、それとも行き着いた結果なのかはわからないけど、バンドとしてはいい感じで行ってるんじゃないかと思う。


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1 Devil
 パーティ・バンドっぽいオープニング。ホーン・セクションもベースも躍る感じでプレイしており楽しそう。ビデオは郊外の誰かの一軒家の別荘?っぽい設定。いつものステージ・スタイルではなく、格好も非常にラフ。でもどんな時でもCopleyだけはただ一人、シャツのボタンをキッチリ上まで留めている。

 
 
2 Showdown
 Frank Sinatraっぽいジャズ・テイストの強い曲。歌だけ聴いてるとまったりっぽいが、やはりこのバンドのリズムが跳ねる跳ねる。
 
3 Free Yourself
 
4 Twist Her
 1.と同じ日に収録されたテイクもあるが、小芝居仕立てで作られたビデオ・クリップの方が面白い。フランスの大衆演劇場を模したセットの中で、先ほど挙げたCopleyを始めとするバンド・メンバーの熱演ぶりが微笑ましい。バック・ダンサーの中国雑技団張りの演技も見もの。

 
 
5 The Ring
 ややStax系のリズム&ブルースを思い起こさせる、彼らにしては珍しいタイプの曲。ベタっぽいバラードだが、情感たっぷりに、しかもドライに歌い上げるCopleyがカッコよく見える。あまりべたつかない歌い方はこの人の強みだろう。
 
6 G-Force
 
7 Smoke
 ビデオでは若手ラッパーBeat Beat Assailantとコラボ。アルバム・バージョンではCopleyのソロだが、断然ビデオの方が必見。こちらは大きめのスタジオでのセッションとなっており、よってホーン・セクションもフルで入っており、Electro Deluxe Big Band名義。大人数で盛り上がるCopleyと対照的に終始クールな態度のAssailantとの対比が面白い。
 こういった時、オヤジって盛り上がるんだよな。

 
 
8 Ground
 
9 Turkey
10 Blacktop River
 ちょっとレゲエ調の、これも今までなかったタイプの曲。やはりホーンが常駐するようになるといろいろアイデアが浮かんでくるのか、まぁアルバムにバリエーションを持たせるためには、こういった曲も必要なのだろう。

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11 Rise Up
 ライブでは情感たっぷりに歌い上げるバラードから一転、フル・バンドで盛り上がるパターンだけど、アルバム・ヴァージョンは最初っから飛ばしまくるブラス・ファンク。そんな音の壁にも負けない、暑苦しいまでのCopleyの個性あふれるヴォーカル。
 わかった、日本では彼のようなキャラクターは濃すぎるんだよな、きっと。イギリスじゃ国民的大歌手のTom Jonesだって、日本じゃさっぱりだもの。もう少し薄めればちょうどいいのかもしれないけど、そうなるとバンドの持ち味がかなり失われてしまうことになる。難しいところだ。
 
12 Comin' Home
 Otis Reddingに聴こえる瞬間もあるくらい、珍しく素直なソウル・バラード。
 あまり語られることがないのだけど、ドラム担当のArnaud Renavilleという人、この手のバンドにしてはドラムがズシッと重く響く。ファンク系バンドの多くはノリとリズム感を売りにしているため、ハイハットももっと軽く響く場合が多いのだが、彼の場合、このようなしっとりしたスロー・ナンバーでも重厚感がある。
 ビデオではCopleyが時々変顔で唸ったりもしているが、基本シリアスに真面目に歌っているのが、どことなく滑稽。

 




 何しろ米米クラブにも引けを取らないくらいの大所帯バンドのため、なかなか小回りが利かず、海外公演もそんなにできない現状が続いている。
 どうにか世界的な企業CMなんかで取り上げてくれればいいのだけれど、何しろ他国を平気で見下すフランス人だけあって、それもまた難しいだろう。変な方向で売れてしまってポップになり過ぎるのも、ファンとしては複雑なところ。
 やっぱりこのままマイペースで、時々ビデオ・レターみたいな形で元気な姿を見せてくれるのが一番無難なのでは、という結論に落ち着いてしまう。
 まぁ、元気でやっててくれりゃいいか。



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Live in Paris
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姐さん、まだまだ現役っすネ - Marlena Shaw 『Who Is This Bitch, Anyway?』

folder 以前Steely Dan『Aja』のレビューで、影の主役はChuck Rainey(B)である、と書いたのだけど、その彼のまた別方面での良い仕事が、1974年にリリースされた、このアルバム。
 同じく『Aja』で名演を繰り広げたLarry Carlton(G)も一緒に参加しており、その他Harvey Mason(D)、David T. Walker(G)、Jim Gordon(D)など、当時のジャズ/フュージョン名盤では常連のメンツが勢ぞろいして、ほぼ好き勝手に最高のプレイを披露している。ただし、誰もがエゴを剥き出しにはせず、あくまで最高のシンガーMarlenaの最高の歌を引き立たせることを前提に、最高のコンビネーションでプレイしている。
 
 このアルバムがリリースされた1970年代のモダン・ジャズ・シーンと言えば、当時所属していたブルー・ノートも含め、業界全体に往年の勢いが失われており、時代はほぼフュージョン一色となっている。純粋なスタンダード・スタイルの4ビート・ジャズは、ほぼ伝統芸能レベルにまで廃れており、クロスオーバーというネーミングが表すように、ソウル/ファンクのテイストをあしらったサウンドが主流となっていた。
 メインストリームのジャズがそういった様相だからして、ましてや、どスタンダードなジャズ・ヴォーカルのニーズはさらに失われており、こちらも絶滅寸前にまで追い込まれていた。
 
 もともとブルース系レーベルのチェスでデビューを果たしたMarlenaは、ブルー・ノートにおいては、どちらかといえば異端的存在だった。逆に言えば、そのソウル/ファンク・テイストの強いキャラクターであったことが強みとなって、従来の古臭いジャズ・ヴォーカリストらに混じることなく、後世まで生き残ることができた。

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 リリースされてちょうど今年で40周年、もはや威光の失われた往年のジャズ・レーベルという不利な条件だったため、大きなセールスを上げたわけではないけど、いつまでも語られることの多い名盤である。
 レコーディング・メンバー、ヴォーカリストの個性や卓越したテクニック、ストーリー仕立てのコンセプト・アルバムである、などなど、様々な要因はあるのだけど、どれが決定打かといえば、それはちょっとわかりかねる。こういうのって、結局は人それぞれだから。ただ、どんな理由で惹きつけられようと、一度手に入れてしまったらなかなか手放すことのできない、もし手放してしまったとしても、再び手に入れたくなってしまう、そんな不思議なアルバムである。誤解を恐れずに言えば「緩慢な麻薬」のようなアルバムである。
 
 ジャズ・ヴォーカルというのは、かつて日本でも人気のあったジャンルだったらしいのだけど、今ではもうその勢いも見る影はなく、伝統芸能のような扱いとなっている。戦後間もなくだと、ポピュラー音楽と言えばジャズくらいしかなかったので、安定したセールスを誇っていたのだけど、1950年代後半からのロックやポップスの台頭によって、その座も失われて久しい。ジャズ・ヴォーカルのピークをFrank SinatraやHelen Meriillの時代として、それ以降もまったく絶滅してしまったというわけではなく、一応時代ごとに歌姫的な存在のアーティストは出てきてはいるのだけど、あいにく往年のブームを凌駕するまでには至っていない。

 日本でも1970~80年代にかけては、阿川泰子やマリーンなど、スタンダード・スタイルの女性ヴォーカリストが定期的に出てきてはいたのだけど、彼女らのタレント化に伴い、そういったムーヴメントも徐々に収束してゆき、今ではもう見る影もない。ましてや、男性ヴォーカリストなんてもう、誰かいたっけ?といった惨状である。

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 今後のジャズ・ヴォーカル界に未来はあるのだろうか?
 残念ながら、「純粋な」ジャズ・シンガーの需要というのは、もうほとんど見込めないのが現状である。純正のジャズ・ヴォーカルの復権はないだろうけど、歌の上手いシンガーという需要は、どの時代でも確実にあるので、ポップ・シーンとのコラボレーションによる生き残りは可能だろう。大きなヒットは見込めないし、絶対数は少ないけど、どの時代にだって、ディーヴァは必要なのだ。Aretha Franklinだって、もともとはジャズ/ゴスペル出身だし、近年だとAdeleのサウンドもジャズ・テイストが強い。
 そう考えると、Amy Winehouseの早逝は、実に痛いところ。
 
 全盛期にも増して、近年精力的なライブ活動を続けているMarlenaもまた例外でなく、フュージョン系ミュージシャンとの共演も多く、ワン・ショットではあるけれど、若手ジャズ・ファンク・バンドへのフィーチャリング参加など、他ジャンルからの需要はコンスタントに続いている。演奏レベルが高いバンドにとって、サウンドに負けないポテンシャルを持つシンガーというのは、必須アイテムである。彼女のような本物のシンガーを積極的に起用していることが、近年のNu-Jazzやアシッド・ジャズの成しえた貢献の、最も大きなひとつである。


フー・イズ・ジス・ビッチ、エニウェイ?
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1. Dialogue ~ Street Walking' Woman
 なかなか曲が始まらない。
 全体では6分の長尺だけど、実際の曲は後半3分くらいで、前半3分はまるまる男女の会話。バーの喧騒の中の会話という設定のため、聞き取りづらい上、ネイティヴな英語は日本人ではなかなか理解しづらい。他のサイトでの訳を読んでみると、まぁシャレオツながら中身のない会話の応酬なのだけど、アルバム全体のムードを印象づけるには、これくらいでちょうど良いのだろう。
 HarveyとChuckによる変幻自在のリズム・セクションは、彼らのキャリアの中でも特筆するほどのクオリティ。4ビートと16ビートがめぐるましく変化し、それに対して相変わらずのマイペースなDavid T.、ナチュラル・トーンと性急なカッティングの使い分けが絶妙。Mike Lang(P)もこのメンツの中では地味な方だけど、転調ごとにいなせなオブリガードを聴かせている。
 最後になってしまうけど、やはりMarlenaのBitchっぽいヴォーカルが熱い。終盤に差し掛かると、バンドとヴォーカルの相乗効果で、テンポも次第に上がってゆくことでファンク色が強くなり、最高潮の盛り上がりで占める。
 あぁもっと書きたいのだけれど、いまいち伝わらない。とにかく、聴いてほしい曲。

 
 
2. You Taught Me How To Speak In Love
 “いとしのエリー”の元曲。
 デビュー間もない頃のサザンは、この曲に限らず、「影響された音楽を素直に形にしてみました」感の強い曲が多い。パクリ疑惑も流れているけど、サザンの場合、そこまで悪意めいたサウンドではないので、むしろオマージュと考えた方がよい。だって俺、サザン好きだもん。
 演奏の主役はやはりDavid T.、このとろけるギター・ソロに、いったいどれだけのギタリストが憧れを抱き、そして夢潰えていったのだろう。単純な音色なのだけど、やはりこのタイム感、世界観の作り方はマネできるものではない。
 
3. Davy
 前半は正統なジャズ・ヴォーカル的ナンバー。効果的なストリングスが導入されており、往年のビッグ・バンドをバックに歌うMarlenaの姿が思い浮かぶ。この曲のギターはDennis Budimir、一般的な知名度はほぼないけど、当時のセッション・マンとしては人気があったらしく、彼のソロが入った頃になると空気感が変わり、Carole King系のポップ・バラードで軽やかに締める。
 
4. Feel Like Makin' Love
 オリジナルがRoberta Flackというのは、有名な話。
 LarryとDavid T.のダブル・ギターだけど、オブリガード中心のプレイで決して歌を邪魔していない。Marlenaのヴォーカルも終盤こそテンポ・アップしているけど、終始抑えたムード。良い曲とわかっているからこそ、大切に歌っているのだろう。
 とにかく様々なアーティストにカバーされまくってる曲であり、変わったところでは、なぜか今井美樹がカバーしている。これはこれで透明感のあるヴォーカルが好印象。

 

5. The Lord Giveth And The Lord Taketh Away
 Marlena自身による、ピアノ弾き語りのブルース・ナンバー。1分足らずの曲なので、セッションの合間の余興だったのだろうけど、多分思ったより出来が良かったので、収録に至ったのだと思う。こうして聴いてみると、ほんと幅の広いシンガーという ことがわかる。
 
6. You Been Away Too Long
 このアルバムのプロデューサーであり、アレンジャーでもあり、そしてこの曲の作者でもあるBernard Ighnerが現場でがんばった曲。まとめ役という立場上、どうしても裏方的作業が多くなりがちだけど、ここではフリューゲルホーンで参加。
 比較的メロウな曲で、もう少し甘くなれば類型的なA&M系のポップスになりがちなところを、Dennisのギターとドスの効いたHarveyのドラムがうまく締めている。

Marlena-Shaw

7. You
 こちらは少し甘みを強くしたバラード。こういう曲は、シンガーとしては歌ってて気持ち良いのだろうけど、聴き手側としては、よほど思い入れが強くない限りは、ただただ眠たくなってしまう場合が多い。演奏自体もメロウ感が強く、辛うじてMarlenaの声・歌唱で最後まで聴くことができる。
 そう考えると、ここ数年の徳永英明というのは、すごい存在である、と改めて思う。
 
8. Loving You Was Like A Party
 レア・グルーヴの中では、結構名の知られた曲。ちょっとクラブ系を齧ってる人なら、曲自体は聴いたことがある人は多いと思う。そう、Marlenaが歌っていたのです。
 Bitch再び、といった感じで気怠いアバズレ感漂うヴォーカルが、LarryとDavid T.のケツを引っぱたいて必殺フレーズを弾かせてるシーンが思い浮かぶ。いかにも70年代を連想させる、間奏からのシンセがまた泣きを誘う。グルーヴ感がハンパない曲なので、バラード以外のMarlenaを求めるのなら、ゼヒ。

 
 
9. A Prelude For Rose Marie
 
10. Rose Marie (Mon Cherie)
 映画音楽のような荘厳としたプレリュードに続き、アルバムのシメは穏やかで、ちょっぴりスウィートなポップ・ナンバー。これまで技の応酬だったセッション・メンバーを一新して、メロディを活かした音作りになっている。
 Marlenaも力を抜いて軽やかなヴォーカルを聴かせている。




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北海道の中途半端な田舎に住む、そろそろアラフィフ男。ほぼ週1のペースで音楽ブログ更新中。節操ない聴き方と思われてるけど、自分の中では一貫してるつもり。 最近は蔵書の整理がてら、古い本を再読中。ジョン・アーヴィングから始まって、フィッツジェラルドやゾラ、モームなど、いわゆる古典の復習中。いつになったら終わることやら。新刊読めねぇや。
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